Cercare di capire i fenomeni che influenzano la creazione di un colore, determinare quali siano le componenti da utilizzare per ottenere un deterninato tono non sono problemi semplici da risolvere.

Nelle varie epoche assistiamo ad una continua ricerca in questo settore.

Gli studi derivano da una curiosità scientifica ma, soprattutto dopo l'inizio dell'era industriale, forniscono norme precise per la produzione commerciale.

Il "gioco" complesso dei colori, la loro qualità visiva, e soprattutto il loro abbinamento ha da sempre interessato gli artisti quale strumento di espressione. Oggi anche l'influenza fisiologica del colore è accertata, ma la ricerca sul fenomeno non prevede interruzioni.

La percezione e l'uso del colore varia moltissimo sia nel tempo, sia nelle aree geografiche.

Benché fenomeni naturali come l'arcobaleno siano conosciuti in ogni epoca, non esisteva nel passato una definizione dei colori principali e delle loro mescolanze.

I termini e l'estensione del vocabolario usato per nominare un colore derivano direttamente dall'esperienza: le popolazioni delle zone artiche hanno molti più termini di noi per descrivere le diverse qualità del colore bianco.

Nell'antichità e sino al XIII secolo in Occidente i colori sono sostanzialmente solo tre. Questo non vuol dire che non esistessero altre tinte, significa semplicemente che non era importante nominare in modo diverso un verde rispetto, ad esempio, al blu.

Per culture asiatiche, oceaniche o dell'Africa nera, a proposito di un colore, anziché il tono, è molto più importante sapere se si tratta di un colore secco o di un colore umido, di un colore morbido o di un colore duro ecc.
Questo tipo di concezione è quasi assimilabile alla sinestesia.

Nella tradizione giapponese si riconoscono cinque colori "capostipiti" e nove colori secondari che derivano dalla mescolanza dei primari.
Un colore "capostipite" non veniva mai usato accanto ad un secondario di cui era un componente.

Una classificazione del colore è proposta fin dal lontano 1611 in Physica, un manoscritto del filosofo, teologo e astronomo finnico-svedese Sigfrid Aron Forsius (1550-1624).

Egli ritiene che i colori siano cinque: il rosso, il blu, il verde, il giallo e il grigio

Il fenomeno della dispersione della luce bianca è alla base della teoria di Isaac Newton (1643-1727) che, in un trattato dal titolo Optice del 1706, definisce sette colori primari.
Nello schema di destra assegna ad ogni colore un arco diverso in funzione di corrispondenze che egli pensa che i colori abbiano con le sette note musicali.

Per Newton i colori sono:rosso, arancio, giallo, verde, blu, indaco e violetto.

Il rapporto tra luce e colore contenuto nelle teorie di Newton fu poi diffuso in tutta Europa da molti autori.

A Venezia, autori come Giambattista Piazzetta e Canaletto, attinsero probabilmente alle teorie di Newton attraverso l'opera del saggista e collezionista d'arte Francesco Algarotti (1712-1764)

L'analogia tra le note musicali ed i colori proposta da Newton mantiene anche oggi aspetti affascinanti che non hanno mancato di stimolare la produzione di diversi artisti e musicisti.

L'invenzione del cinema ha permesso di mettere in particolare risalto la componente dinamica della musica e gli esperimenti sono iniziati ancor prima dell'introduzione delle pellicole a colori.

L'arrivo del cinema sonoro rappresenta una soluzione ideale per lo sviluppo della tematica musica-colore.
In Fantasia, film d'animazione di Walt Disney del 1940, c'è una parte astratta in cui la protagonista è la colonna sonora.
Nel 1971 il geniale cineasta Norman McLaren produce Synchrony in cui le forme colorate costituiscono l'impronta sonora.

Il lavoro di conversione tra note musicali e colori riguarda anche le tecniche più tradizionali. Luigi Veronesi ha lavorato a lungo sulla conversione di spartiti musicali in composizioni cromatiche.

Questo il sistema di conversione:
MUSICA - PITTURA
timbro - altezza
intensità - durata
tinta - luminosità
saturazione - estensione

La Teoria dei Colori pubblicata a partire dal 1810 da Wolfgang von Goethe (1749-1832) è un'opera fondamentale e, dopo quella di Newton che si occupa soprattutto di fisica, finisce per influenzare la produzione di molti artisti.


Il paesaggista romantico inglese Joseph Mallord William Turner (1775-1851), in una sua opera, cita esplicitamente l'opera di Goethe.

Philipp Otto Runge (1777-1810) è, dopo Friedrich, il più grande esponenete della pittura romantica tedesca. Fu in corrispondenza con Goethe e pubblicò la sua "Farben-Kugel" nel 1810.
Il suo modello tridimensionale è molto importante poiché permette di classificare i colori secondo tonalità, saturazione e luminosità.

L'Ottocento è il secolo in cui ci si dedica maggiormente allo studio delle armonie cromatiche.
L'opera sullo studio del colore del francese Eugène Chevreul (1786-1889), grande scienziato e inventore attivo in molte discipline, viene pubblicata nel 1839.

De la Loi du Contraste Simultané des Couleurs di Chevreul finirà per influenzare in modo essenziale le ricerche pittoriche degli Impressionisti, ma soprattutto, quelle degli esponenti del Pointillisme.

Lo studio di Charles Henry si rivolge all'influenza che hanno sulla psiche gli elementi visivi.
Esistono, per Henry, colori «tristi» e colori «allegri», essendo quelli allegri i colori caldi - il rosso, l'arancio e il giallo - e quelli tristi il verde, il blu e il viola.

Nel 1885 le teorie di Henry furono riprese dal pittore Paul Signac (1863-1935), esponente dei cosiddetti "impressionisti scientifici".

Nel Novecento gli studi sul colore coprono uno spettro ancora più ampio e tendono a seguire due filoni principali.

Le esigenze normative dell'industria portano alla creazione di una vera e propria scienza: la colorimetria.
Il modello di Munsell è del 1905, quello di Ostwald è del 1915, il gradiente del sistema C.I.E (Comitato internazionale per l'illuminazione) è del 1931.

Artisti e psicologi, d'altro lato, non smettono di interrogarsi sulle modalità espressive legate all'accostamento dei colori.
Sono soprattutto esponenti dell'area astrattista e dell'arte concreta che ci forniscono le riflessioni più importanti.
Johannes Itten (1888-1967) è l'autore più conosciuto, ma non vanno dimenticati Kandinskij, Moholy-Nagy e Albers, tutti accomunati dall'esperienza didattica presso il Bauhaus.

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